martes, 25 de abril de 2017

DAVID HOCKNEY EN CALIFORNIA

"A Bigger Splash", 1967

ANTES DE CALIFORNIA
Entre 1960 y 1962 su estilo deriva de Dubuffet y del expresionismo abstracto. Al igual que los expresionistas abstractos, su obra de este período se caracterizó por una serie de gestos violentos que simulaban una gran intensidad del sentimiento. 




"Retrato rodeado de artefactos artísticos", 1965

En su variada temática ha dedicado una parte importante de su obra a personas, paisajes y objetos muy queridos por él.
Siempre busca crear sensaciones agradables a través del juego con el color por su propio placer y el del espectador.
Interesado en la evolución de la “Historia del Arte”, realizó un estudio sobre los medios técnicos -diversos sistemas ópticos- utilizados por los grandes maestros de la pintura flamenca que plasma en su obra “El conocimiento secreto” en 2001.
 
"Hombre duchándose en Beverly-Hills", 1964


"A Lawn Sprinkler" "A Lawn Being Sprinkled", 1967


“…el clima es soleado, las personas son menos tensas que en Nueva York ... cuando llegué no tenía ni idea de si había alguna clase de vida artística allí y era la menor de mis preocupaciones." HOCKNEY

En California, Hockney descubrió que todo el mundo tenía una piscina. Debido al clima, podría ser utilizada durante todo el año y no se consideraba un lujo, al contrario que en Gran Bretaña, donde hace demasiado frío durante la mayor parte del año. Entre 1964 y 1971 realizó numerosas pinturas de piscinas. En cada una de las pinturas trató una solución diferente a la representación de la superficie con el agua  en constante cambio.

En alguno de estos lienzos aparece el antiguo amante de Hockney, Peter Schlesinger

“Peter al salir de la piscina de Nick”, 1966

Schlesinger entró en la vida de Hockney en Los Ángeles en 1966, cuando el artista estaba estudiando en UCLA y Hockney era profesor en esa universidad. 
Para David Hockney estos cuadros muestran la realización del sueño romántico de California que representa el estilo de vida extravagante homo-erótica que disfrutó.


"Retrato de un artista", 1972
"Adoro la claridad pero también la ambigüedad; por eso es lo que me encanta. Pienso... para mí, la magia reside en los espacios, no en los objetos“  DAVID HOCKNEY
Hockney le gusta captar momentos fugaces como el de este cuadro que se ha convertido en un icono: alguien que se acaba de tirar al agua ha provocado una salpicadura que rompe la geometría fría de la casa, el trampolín, los bordillos y el marco como de Polaroid que rodea.
 "A Bigger Splash", 1967
"Me apasiona la idea de pintar algo que dura dos segundos“   HOCKNEY

Hockney diseñó el cartel para los Juegos Olímpicos de Munich 1972. 
El movimiento del agua, y el efecto de la luz sobre su superficie ofrecen a Hockney la oportunidad de introducir zonas de abstracción dentro de sus pinturas figurativas, y un reto artístico: para evocar agua, Hockney desarrolló una técnica influenciada por la publicidad gráfica.

En la década de los 60 y los 70, Hockney realizó numerosos retratos que son expresión de sus relaciones personales. Recrea también los rostros de algunas de las más grandes figuras de la cultura de su época, entre ellos Andy Warhol, Freud y WH Auden y se autorretrata en numerosas obras.
Los retratos dobles se han convertido en verdaderos iconos de la pintura figurativa de Hockney. Entre ellos destacamos los retratos californianos en que los retratados se muestran ante sus viviendas que aparecen como un telón de fondo y tienen un carácter casi escenográfico. A través de estas obras californianas, el artista muestra el bienestar de una parte de la sociedad americana ante sus modernas casas racionalistas.
"Ama de casa de Beverly Hills", 1966


"Fred and Marcia Weisman, Beverly Hills", 1968



Hockney trata de captar la psicología de los retratados y muestra a las figuras en su entorno familiar con un estilo realista y simplificado. Están realizadas en pintura acrílica sobre lienzo. Para la ejecución de estas pinturas partió de la observación de fotografías y la vida de los representados haciendo dibujos previos para resolver la composición. 
Son representaciones casi a tamaño natural. Estas composiciones combinan poses informales y con la grandeza y la formalidad del retrato tradicional. Casi todas estas obras están pintadas en acrílico, que se seca rápidamente y no se puede retocar, ​​lo que exige un mayor grado de planificación y ejecución meticulosa.


Por la casa de Hockney en Santa Mónica han pasado multitud de personajes: artistas, novelistas, directores, guionistas, productores, actores y divas.  No solo fueron amigos cercanos, escritores como Gore Vidal, Truman Capote, Aldous Huxley y Tennessee Williams, el director John Boorman, actores Charles Laughton y Montgomery Clift, compositor Igor Stravinski, así como pintor Hockney, sino también un sinfín de leyendas de Hollywood, entre ellos Marlene Dietrich , Katherine Hepburn, Lauren Bacall y Humphrey Bogart, así como Warren Beatty, Henry y Jane Fonda, Mia Farrow, Sharon Tate, Roman Polanski y Jack Nicholson.































Junto a estas imágenes de los amigos cercanos y de la familia pinta una serie de autorretratos, que de igual forma muestran la evolución artística de Hockney


La carrera artística de David Hockney es muy larga  e intensa. Es un apasionado por el arte y la búsqueda de respuestas ante los retos que le ofrece la vida y la técnica no cesa. En la actualidad la Tate Britain realiza la exposición más completa de su obra en colaboración con el Centro Pompidou de París y el Museo Metropolitano de Nueva York. 



viernes, 10 de febrero de 2017

HENRI MATISSE, LA ALEGRÍA DEL COLOR

Collioure, Estudio de Matisse, 1905 
«Desde el momento en que sostuve la caja de colores en mis manos, supe que era mi vida. Me tiré en ella como una bestia que se precipita hacia lo que ama.» MATISSE

"Los Aloes" Colliure, 1907














"La raya verde", 1905
La palabra francesa “fauve” significa “fiera”. El término "fauves” o fauvistas, con que se denomina el estilo, responde al humor del crítico Louis Vauxcelles, en el Salón de Otoño de París de 1905, que al contemplar un pequeño bronce clasicista entre los lienzos de este grupo exclamó: "Donatello entre las fieras".
Si el Impresionismo reflejaba las impresiones que le llegan al pintor desde fuera, el Fauvismo, junto con el expresionismo alemán, va a plasmar las sensaciones internas, las vivencias psicológicas del artista.
Gustave Moureau, maestro de Matisse, no enseñaba ninguna doctrina sino que forzaba a sus alumnos a pintar con independencia y con la técnica que fuera más adecuada a su temperamento.
Gustave Moureau, maestro de Matisse trataba de que sus alumnos pintaran con independencia y con la técnica que fuera más adecuada a su temperamento.
Matisse fue el precursor y líder del grupo para el que la esencia dela pintura estaba en el uso arbitrario del color a fin de definir la forma y expresar el sentimiento.



















“Aspiro a un arte del equilibrio, de la pureza. Un arte que no intranquilice ni desconcierte. Me gustaría que el individuo cansado, agobiado, quebrado, encontrara paz y quietud en mis cuadros.” MATISSE


A finales del siglo XIX Matisse estudió la obra de los postimpresionistas, artistas que habían dejado atrás las normas académicas del pasado y que, junto al movimiento impresionista, comenzaron el camino para alcanzar un arte libre de ataduras. La influencia de Cézanne, Gauguin y Van Gogh fue decisiva para Henri Matisse en aspectos tan básicos en pintura como el empleo del color, las formas y la composición espacial.  
"La alegría de vivir", 1905-1906













El arte África y de Oceanía llegó a los museos de Francia, Alemania y Londres a finales del siglo XIX. Muchos artistas coleccionaron máscaras, cerámicas y tejidos de estos continentes cuyo arte influyó en los fauvistasMatisse viajó al norte de África y algunas de sus obras lo reflejan.
"Las odaliscas fueron el fruto numeroso de una feliz nostalgia, de un bello y vivo sueño y de una experiencia vivida casi en éxtasis, de los días y las noches sumergido en la magia de un clima. 
Una necesidad imperiosa de expresar este éxtasis, esta indolencia divina, en los ritmos coloreados, ritmos de figuras y colores solares y gustosos". HENRI MATISSE










        

Matisse sintió fascinación por las artes populares orientales y sus adornos, en forma de arabescos que aparecían en las telas, tapices y cerámicas de estos pueblos, son motivo de inspiración recurrente en muchas de sus obras.
































En 1910, Matisse llega a Andalucía. En Granada visita La Alhambra. Queda fascinado por el mundo oriental que se respira por todos los rincones del palacio nazarí: los paneles decorativos, los arabescos, jarrones y tapices. A partir de entonces se siente atraído por todo lo oriental. 
Los motivos decorativos islámicos se advierten en una parte importante de sus creaciones: pinturas, dibujos, ilustraciones, escenarios y vestuarios para el Ballet Ruso. En España realiza varios cuadros: “Naturaleza muerta I" "Naturaleza muerta Sevilla II”, 1910-1911,  Joaquina, 1911.





Ritmo, armonía y color son términos aplicables tanto a la música como a la pintura. Pintura y música se hallan a menudo unidas en la obra de Matisse, no sólo como conceptos de armonía, sino como objetos pictóricos. Dedicó numerosos cuadros a temas de danza y música. Entre ellos destaca especialmente "La danza".
En el año 1909, Matisse realiza un cuadro icónico en la historia del arte contemporáneo. Solo con tres colores puros -cálidos y fríos-, aplicados sin gradación tonal, y con unas figuras que marcan el ritmo de una danza, logra crear una obra impactante y llena de atractivo.
El motivo del cuadro había sido representado, en un segundo plano en “La alegría de vivir”. Cuatro años más tarde, ese motivo será protagonista de esta obra que se encuentra en el MOMA de Nueva York y que sirvió de prueba del que realizó por encargo del coleccionista ruso Shchukin en 1910. Este se encuentra hoy en el Hermitage (San Petersburgo). 
Ambos cuadros son de grandes dimensiones y se diferencian sobre todo en la intensidad del color. Al artista le interesa la expresividad de las formas que se simplifican frente a la descripción anatómica. En este cuadro hay una abstracción tanto de las formas como del fondo y una carencia de sentido espacial.
Junto al panel de “La danza”, Shchukin encargó también el de “La música”, también actualmente en el Hermitage.
"La música", 1911
“La totalidad de mis combinaciones cromáticas debe conducir a un acorde de color vivo, a una armonía similar a la musical.”  MATISSE
"La lección de piano", 1916
Matisse dedicó su vida al arte. Incluso en sus últimos años, enfermo, buscó un nuevo camino para desarrollar su pasión creadora. Su obra es inmensa. Óleos, dibujos, ilustraciones, escultura e incluso la decoración de obras teatrales. Con él y con Picasso se inicia el camino de un arte nuevo, un arte de vanguardia a comienzos del siglo XX. Se produce la ruptura con el estricto arte académico y se busca la libertad expresiva partiendo de los elementos esenciales del arte: colores, formas y líneas que ya no tienen que ceñirse a la normativa preestablecida ni reflejar con precisión la realidad. 
Matisse murió en Niza el 3 de noviembre de 1954. A diferencia de otros artistas, tuvo un reconocimiento internacional durante su vida, gozando del favor de los coleccionistas, críticos de arte y de la generación de artistas más jóvenes. En 1952 se inauguró el Museo Matisse en su ciudad natal.
ENLACES 
Marcelin Pleynet et le savoir peint 
Las odaliscas que "nacieron" en la Alhambra 
Henri Matisse 
KHANACADEMY 
ANDRÉS LUQUE TERUEL: Pnturas de MATISSE en Sevilla
Olga’s Gallery (imágenes)

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